I'm lost in your mind

在短暂的人生中我们能够得到什么?
当然有快乐,痛苦了.这是必不可少的.哪个更多,就要看你自己了.
我喜欢快乐,但是天不让我快乐,总是痛苦跟随着我~~
只希望我身边的朋友不会和我一样,希望他们能快乐每一天.这我就很满足了.


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0017024

歪酷博客

为你快乐 @ 2009-06-10 15:42

已经结束了高考。解放了,真不知道能上什么。
看情况吧。
无奈。


 
为你快乐 @ 2007-11-01 09:26

已经有半年没来了吧,因为我现在真的是很忙,学习很累的,只是我不怎么学,所以不会感觉到太累
只是有很多的事还是忘不了啊~!
AMY还是望不了
什么时候才可以忘呢?
为什么啊!天啊!


 
为你快乐 @ 2007-06-29 20:13

好久都没来了!好怀念啊!暑假我要常来! 不来的话开学后也要来!


 
为你快乐 @ 2006-12-13 21:23

张择端,字正道,东武(今山东诸城)人。中国北宋时期人,宋徽宗时为宫廷画家。

  他早年游学汴京(今河南开封),后习绘画。徽宗朝供职翰林图画院,专工界画宫室,尤擅绘舟车、市肆、桥梁、街道、城郭,自成一家。后“以失位家居,卖画为生,写有《西湖争标图》、《清明上河图》。”

  《清明上河图》是他的代表作,曾经为宣和内府所收藏。今《清明上河图》尚存,是《东京梦华录》、《圣畿赋》、《汴都赋》等著作的最佳图解,具有极大的考史价值。不只继承发展了久己失传的中国古代风俗画,尤其继承了北宋前期历史风俗画的优良传统。

张择端 雕像
张择端和《清明上河图》

南宋初,画有变,风俗画,题广泛;
有大师,张择端,上河图,成长卷。
北宋朝,汁梁城,百工业,最繁荣;
人物众,前后拥,车马船,尽集中。
有酒铺,有茶棚,有铁匠,有木工;
卖花女,算命翁,桥上下,俱畅通。
建筑群,起楼层,熙攘间,笔画清;
杂不乱,步步精,古都市,入眼中。

  人物画发展到北宋未、南宋初,起了新的变化、那就是风俗画和历史画有了新的发展。风俗画的题村相当广泛,市民生活的各个方面都有所涉及,如市街,城郭、货郎、婴戏、仕女、车马、耕织以及村学、村牧、运粮、航船等等。

  张择端,早年游学汴京,后习绘画,徽宗朝任职翰林图画院,擅长于画车马、市街、桥梁、城廓等等。他除了画《清明上河图》,还画过《西湖争标图》,两图都是描写世俗生活的。

  《清明上河图》,在北宋风俗画中具有典型的代表意义,是北宋人物画长期的发展结果,《清明上河图》以汴河为典型环境,描绘出当时各色各样人物活动和建筑、工具等人世风物,有极大的历史价值。画家以周密的观察力为基础,对北宋汴梁城的城门和大街,对门外汴河上的繁华景象,作了忠实而详尽的描写。画面上有市街上的各种商业活动、手工业活动、河上的漕运活动、各类人的游览活动等。除了酒楼、药铺等大型店铺外,还有香铺、弓店,处于十字路口小茶铺或酒铺,还有门前挂着“解”字招牌的当铺,做车轮的木匠,卖刀剪的铁匠,有卖花的、算命的以及各种摊贩等牟均可一一辨认,街道上活动着各种人群,官员骑马,侍者前呼后拥,在人丛中穿过;有的妇女们则坐了小轿。在如此熙熙攘攘之间,有人挑担,有人驾车,车子的样式也不尽相同。河上有人使船,有人游逛,有的在门口凭栏眺窒。这热闹的光景,画家安排得有条有理,杂而不乱,引人入胜,古都风貌,再现眼中。从构图上,有总有分,有主有次,有细有粗,有紧张有松驰;以村郊、河道、城市为主,逐渐铺开,很有层次,村郊是引子,比较简略。进到河边时,便着力描写船舶货运,直到拱桥,形成了第一个高潮。桥上桥下,船上船边,人们手忙脚乱,喧呼嘈杂,十分紧张,过后渐渐转远,结束了中心最重要的一段。从酒楼和桥起,大街直通城内,各种车辆。店铺、各色人等,一步挤一步,一处紧一处,形成第二个高潮。从进城到第二条街,画卷终止。《清明上河图》在南宋有许多临摹,一两黄金一卷,可见南来人怀念故都的繁华的感情,其意义是很大的。 
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为你快乐 @ 2006-12-07 19:29

神话是人类童年时期的文学样式,也是人类思维形式中最古老的一种。它只能产生在人类历史发展的初期,产生在人类对外界现象不能作科学说明的时代。马克思指出,神话是通过人民的幻想用一种不自觉的艺术方式加工过的自然和社会形式本身。


  希腊神话是欧洲最早的人民口头创作,大约产生在公元前十二世纪到公元前八世纪之间。它历经古希腊人数百年口口相传,代代相承,不断地艺术加工,在以后的各种文学、历史、哲学著作中保存下来。


  希腊神话包括神的故事和英雄传说两个部分。神的故事涉及宇宙和人类的起源、神的产生及其谱系等内容。相传古希腊有十二大神:众神之主宙斯,其妻赫拉,海神波塞冬,智慧女神雅典娜,太阳神阿波罗,狩猎女神与月神阿耳忒弥斯,爱与美之神阿佛罗狄忒,战神阿瑞斯,火神与工匠神赫淮斯托斯,神使赫尔墨斯,农神得墨忒斯,灶神赫斯提亚。他们掌管自然和生活的各种现象与事物,组成以宙斯为中心的奥林普斯神统和生活的各种现象与事物,组成以宙斯为中心的奥林普斯神统体系。


  英雄传说起源于对祖先的崇拜,它是古希腊人对远古历史和对换自然界斗争的一种艺术回顾。这类传说中的主人公大都是神与人的后代,半神半人的英雄。他们体力过人,英勇非凡,体现了人类征服自然的豪迈气概和顽强意志,成为古代人民集体力量和智慧的化身。最著名的传说有赫拉克勒斯的十二件大功,伊阿宋取金羊毛等。


  希腊神话中的神与人同形同性,既有人的体态美,也有人的七情六欲,懂得喜怒哀乐,参与人的活动。神与人的区别仅仅在于前者永生,无死亡期;后者生命有限,有生老病死。希腊神话中的神个性鲜明,没有禁欲主义因素,也很少有神秘主义色彩。因此,希腊神话不仅是希腊文学的土壤,而且对后来的欧洲文学有着深远的影响。

 



 
为你快乐 @ 2006-12-07 19:23

先来介绍一下拉斐尔,他出生在乌比诺,父亲是作家兼画家,拉斐尔年幼时就被人本主义思想所深深影响,少时从翁勃利亚(Umbria)派画家贝罗津诺(Perugino)学画。在翡冷翠时期,吸取十五世纪绘画精神,并吸取达文西的技法,而逐渐形成圆润柔和的风格。拉斐尔在八岁时就失去了母亲在11岁时又失去了父亲,是非常不幸的,他在自己的作品里画过那么多的圣母像,想也是把自己对母亲的思念和对母爱的美好想象融进了自己的画中。
拉斐尔一生画过许多的圣母像如《圣母与圣子》、《康尼斯达比勒的圣母》、《柯珀的小圣母》、《草地上的圣母》、《罗列特的圣母》、《椅中的圣母》、《西斯廷圣母》等等。《圣母与圣子》是拉斐尔最早的一幅圣母像用色欲人物的刻画对比与他以后的大作还不够成熟但已经构成拉氏圣母像的基本样式,有圣母还要有小耶稣。相比之下《柯珀的小圣母》就要显得成熟多了,这幅画中背景部分右边的几簇矮树丛把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教。母亲与孩子头上有两个圣洁的光环。圣母那双大大的眼睛根本没看任何东西,只是追随着她的思绪,她正在沉思,似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。当我们把她的的眼神与婴儿的眼神放在一起理解的时候,我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在。与他的母亲相比,小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉菲尔创作这个孩子的肖像的方式,确立了耶稣在画中的重要位置。看圣母子的脸,我们可以发现,那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴,就像是古代希腊的塑像,拉菲尔是文艺复兴时期的一位艺术家,他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同,拉菲尔把圣母的脸画得更加温柔,他把古代女神的神态画得更精致、更柔和。但在这幅画中我们可以圣母显得格外的年轻,就像一位少女。此外还可以发现圣母的目光并没有在小耶稣身上,我觉得这是拉斐耳对失去母亲的一种痛苦的表现,他的大脑中也许还有母亲的形象很可能就像这幅画中的圣母一样年轻,但母亲温柔慈爱的目光已经再也看不到了。在拉斐尔的一些画中圣母都没有和耶稣对视。拉菲尔画的圣母像随创作年代不同,具有不同的气质。在早期的圣母像里,偏向纯朴的平民妇女。拉菲尔居住到罗马以后,他的圣母像开始从平民的母性逐渐转化为贵族的圣母。《圣母子》(又称《奥尔良圣母》,作于1506年就属于前期的圣母。圣母的内心显得那样的恬静与欢乐,正在幸福地逗弄自己心爱的婴儿,圣母的平民化不仅从服饰,还从形象的人情味上得到充分体现。圣母脸容亲切,洋溢着一种朴素又真切的情调。设为母亲一手挽着婴儿的背,一手托着婴儿的小脚,眼睛里流露出母亲才会有的幸福。
在拉菲尔留下的杰作之中,最著名的当数《西斯廷圣母》,从我小学的美术书到我高中的美术书都有这幅圣母像,这幅油画是拉菲尔在1512-1513年间为罗马西斯廷教堂绘制的。它在同类作品中具有特殊地位。画中人物和真人大小相仿。它几乎可以被认为是圣母画中的极品,画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬,不可亲近的的神的模样,而将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的与人性的平民妇女,脸上洋溢着坦然的骄傲无论是圣母还是基督的眼睛里都有一种富有责任感的眼神,圣母手中怀抱着的基督,将要把心爱的儿子奉献给人世。这种伟大的母爱,显现于这个身着简朴衣裙,赤足的年青的妇女身上。她缓步从云端走来,双手抱住紧挨着自己胸前的幼小的基督,微风吹拂着玛利亚的头巾与裙边,侧身站着随同前往人间报信的大天使圣芭芭拉,画面的左端站立着前去欢迎圣母子的降临的教皇西斯托斯。这幅《西斯廷圣母》塑造了一位人类的救世主形象,两个小天使可爱又有几分调皮的表情更是为这幅画提加了几分乐趣与童真。圣母脚踩云端,好像刚从云雾中走出。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世,身披华贵的教皇圣袍,取下桂冠,虔诚地迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉,她代表着平民百姓来迎驾,她的形象妩媚动人,沉浸在深思之中。她转过头,怀着母性的仁慈俯视着小天使,仿佛同他们分享着思想的隐秘,这是拉斐尔的画中最美的一部分。我最喜欢的拉斐尔的圣母像是《椅中的圣母》,《椅中圣母》画家特别着意于刻画圣母的目光,眼睛是心灵的窗口,通过一双眼睛可以窥视到画中人的灵魂与心情,这幅画从画幅圆形外框到人物的组合、体态、衣着、褶纹都以长短不等的各种曲线构成,整个画面形象给观赏者以丰满、圆润与紧凑的幸福感。画家用色温暖,圣母红色的衣袖,耶稣黄色的衣服及圣母的蓝裙子正好是三原色的搭配。在基督教图像学中,红色象征爱,蓝色象征真理,圣母则兼有了这两种颜色。画中母亲与儿子的脸贴得紧紧的,从母亲的脸上还可以看出母亲为儿子感到骄傲,小耶稣被画的胖嘟嘟的,非常传神。
拉斐尔被称为画圣塔把人本主义的光芒带到了画中,为我们留下了一张张圣母像是人类精神上巨大的财富。这些画里充分的表现了他对母亲母爱的赞美与赞扬,拉斐尔作为一个没有享受过太多母爱的人却为我们把母爱提炼凝固为画。在他的画中有我们现代社会难得的宁静与和谐,拉斐尔用他细腻的心与笔法还有爱让我们感到了真正的爱与美。
在基督艺术中圣母圣子画像是最重要的题材之一,它是适应教堂公共礼拜活动、私人日常祈祷需要而产生的。基督徒们在家里在教堂看到这样的画像,心里会充满和平和喜悦,因为他们深信,无论他们犯了什么错,只要诚心悔改,仁慈的圣母就会恳求救世主给予宽恕。

      随着西方艺术的发展,圣母圣子画像也产生了各种变体。在文艺复兴时期,宗教艺术得到新的发展,出现了很多伟大的绘画大师,在他们的笔下出现了许多经典的圣家族形象,其中最负盛名的号称“文艺复兴三杰”的拉斐尔、达•芬奇、米开朗琪罗都以近乎完美的圣母像而闻名于世。


      拉斐尔的成就绝不仅局限于圣母像的创作,但是他的圣母像却成了后世的典范,原因如下:

      他性情平和可亲,深得教会上层人士尤其是教皇本人的信任和喜爱,在短暂的一生中为罗马各大教堂、教皇宫邸、教会首脑们绘制了大量的画作,其中有圣母圣子画像。

      他笔下的圣母恬静、平和、富于古典美,堪称女性美的典范。

      打破了文艺复兴以前几个世纪的大量的宗教画像中的两边典型对称的秩序,这种从未被怀疑过的创作象征着所有事物都按照等级排列,自然要求人的主宰,人要求造物主的主宰。而物是要求适用于人的,人对造物主的信仰是神圣而不可侵犯的,无论什么时候都有它不能动摇的等级。而到了文艺复兴时期,这种不成文的规定得到了切实的打破,圣画的布局已经不再是严格意义上的绝对对称。

     透视效果明显,这是文艺复兴之后欧洲视觉史上的一大进步,是飞跃性的发展。

     从人物出现所占的空间来看,做为中心人物的圣母空前拉大,一目了然就是画的重心。


     现在我们从他最负盛名的《西斯汀圣母》和《拿金莺的圣母》两幅图来看具体的表现。

    《西斯汀圣母》原是为教堂所画,撷取但丁的十四行诗所描述而产生的灵感,“她走着……身上散发的温柔之光,仿佛天上精灵,化身出现于尘世。”这幅画的创作年代是1512——1513,是木板油彩画,长265厘米,宽196厘米,现藏于德雷斯顿美术管。在画的中心部位是温柔慈善而又优美的圣母,脸上泛着红晕,眼里含着慈悲,步履轻盈,体态优雅,挂在头上微扬的披风,掀动的衣裙,轻起的裸足,在橘色的天幕中出现,仿佛就要从白色的云端向我们走来,长老和天使都看呆了,唯有一个女神被天使的质朴直视而甜美的笑,显然这位女神也是为了圣母而动容。由于加入了光的透视效果,我们可以清晰的看清楚云朵,暗金色在墨绿色和橘色的衬托下更加高贵优雅,整个画面和谐、圆融、愉快、优美、温和。圣母是一个平民性的母亲,善良而和蔼可亲,温柔贤淑,充满母爱和人情喂,不是高高在上可望而不可及的,而是仿佛再虔诚一点,那令人敬爱的圣母就会走出来和我们说话微笑一样!画面安排得极为均衡、和谐,散发着端庄、祥和、纯净的优雅美,这是他大部分画作的共通点。
     《拿金莺的圣母》是1507年的作品,也是木板油彩画,107厘米×77厘米,藏于佛罗伦萨的乌菲兹美术管。这幅画体现了许多爱的小细节。小约翰和小耶稣抚弄停在圣母膝上的金莺——由于是依在圣母怀里,抚摸的动作很自然贴切,圣母慈爱的关注着,带着极细微的笑,眼睛不看书而是看着孩子手的动作,右手拿书,左手轻抚着动作较大的那个孩子,右边的孩子踩在圣母脚上,两个孩子都在母亲的臂膀之内且都靠着膝,这些无不传达出母亲呵护幼儿的光辉,亲密的身体接触让人心动,这个动作表现了人情和天伦叙乐,使很可能流于呆板和千篇一律的圣母像顿时变得亲切动人。画面的背景是山村田园,依然是墨绿暗金,圣母外着墨绿衣裳,内穿暗红衣服,适当的光打在圣母与圣子的裸露的皮肤上,光洁和祥和。

      这些画都有一个共同的特点,那就是年轻的母亲总是被描绘得典雅,梦幻般的脸散发着慈爱的光辉,让我们看到时除了想到是圣母,跟让我们感觉她就好象是我们身边美丽善良温柔的母亲。这位母亲有着柔和的轮廓,大大的眼睛,挺拔的鼻子,小巧的嘴,不乐而笑的轻柔舒心,眼睛里好象什么都没有,但是我们可以看到她的心,她的思想在动,她的眼睛里有孩子的未来……

      由此我们可以看出,拉斐尔的圣母像以充满爱意的笔触描绘了人物和环境,用以表现故事或事件,人物的刻画注重情感、表情以及姿态与服装的特点;环境则注重透视,随时间和季节的不同而采用不同的光线和色彩,因而可以看出画中的形体和厚度、明暗对比和细微的色彩差异;给人物和景致注入生命和生活气息,特别是任务,显得有血有肉,栩栩如生。他的圣母歌颂了母性光辉和女性之美,是凡间的母亲化身的圣母,更多的是人性而非神性,是理想化了的圣母,是文艺复兴时期人文主义理想的体现。

      他的这些细致入微的表现与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似,这是因为他一直是个古典主义的研究者,而且他把圣母的脸画得更加温柔,神态更加精致柔和,赋予了古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义,给古代美以新的艺术生命,让古代艺术得到再生并发展成为一种新的完美的艺术形式,从而在美学史是有了独特的历史地位,有了对前人的超越和对后人的激励,代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
在基督艺术中圣母圣子画像是最重要的题材之一,它是适应教堂公共礼拜活动、私人日常祈祷需要而产生的。基督徒们在家里在教堂看到这样的画像,心里会充满和平和喜悦,因为他们深信,无论他们犯了什么错,只要诚心悔改,仁慈的圣母就会恳求救世主给予宽恕。

      随着西方艺术的发展,圣母圣子画像也产生了各种变体。在文艺复兴时期,宗教艺术得到新的发展,出现了很多伟大的绘画大师,在他们的笔下出现了许多经典的圣家族形象,其中最负盛名的号称“文艺复兴三杰”的拉斐尔、达•芬奇、米开朗琪罗都以近乎完美的圣母像而闻名于世。


      拉斐尔的成就绝不仅局限于圣母像的创作,但是他的圣母像却成了后世的典范,原因如下:

      他性情平和可亲,深得教会上层人士尤其是教皇本人的信任和喜爱,在短暂的一生中为罗马各大教堂、教皇宫邸、教会首脑们绘制了大量的画作,其中有圣母圣子画像。

      他笔下的圣母恬静、平和、富于古典美,堪称女性美的典范。

      打破了文艺复兴以前几个世纪的大量的宗教画像中的两边典型对称的秩序,这种从未被怀疑过的创作象征着所有事物都按照等级排列,自然要求人的主宰,人要求造物主的主宰。而物是要求适用于人的,人对造物主的信仰是神圣而不可侵犯的,无论什么时候都有它不能动摇的等级。而到了文艺复兴时期,这种不成文的规定得到了切实的打破,圣画的布局已经不再是严格意义上的绝对对称。

     透视效果明显,这是文艺复兴之后欧洲视觉史上的一大进步,是飞跃性的发展。

     从人物出现所占的空间来看,做为中心人物的圣母空前拉大,一目了然就是画的重心。


     现在我们从他最负盛名的《西斯汀圣母》和《拿金莺的圣母》两幅图来看具体的表现。

    《西斯汀圣母》原是为教堂所画,撷取但丁的十四行诗所描述而产生的灵感,“她走着……身上散发的温柔之光,仿佛天上精灵,化身出现于尘世。”这幅画的创作年代是1512——1513,是木板油彩画,长265厘米,宽196厘米,现藏于德雷斯顿美术管。在画的中心部位是温柔慈善而又优美的圣母,脸上泛着红晕,眼里含着慈悲,步履轻盈,体态优雅,挂在头上微扬的披风,掀动的衣裙,轻起的裸足,在橘色的天幕中出现,仿佛就要从白色的云端向我们走来,长老和天使都看呆了,唯有一个女神被天使的质朴直视而甜美的笑,显然这位女神也是为了圣母而动容。由于加入了光的透视效果,我们可以清晰的看清楚云朵,暗金色在墨绿色和橘色的衬托下更加高贵优雅,整个画面和谐、圆融、愉快、优美、温和。圣母是一个平民性的母亲,善良而和蔼可亲,温柔贤淑,充满母爱和人情喂,不是高高在上可望而不可及的,而是仿佛再虔诚一点,那令人敬爱的圣母就会走出来和我们说话微笑一样!画面安排得极为均衡、和谐,散发着端庄、祥和、纯净的优雅美,这是他大部分画作的共通点。
     《拿金莺的圣母》是1507年的作品,也是木板油彩画,107厘米×77厘米,藏于佛罗伦萨的乌菲兹美术管。这幅画体现了许多爱的小细节。小约翰和小耶稣抚弄停在圣母膝上的金莺——由于是依在圣母怀里,抚摸的动作很自然贴切,圣母慈爱的关注着,带着极细微的笑,眼睛不看书而是看着孩子手的动作,右手拿书,左手轻抚着动作较大的那个孩子,右边的孩子踩在圣母脚上,两个孩子都在母亲的臂膀之内且都靠着膝,这些无不传达出母亲呵护幼儿的光辉,亲密的身体接触让人心动,这个动作表现了人情和天伦叙乐,使很可能流于呆板和千篇一律的圣母像顿时变得亲切动人。画面的背景是山村田园,依然是墨绿暗金,圣母外着墨绿衣裳,内穿暗红衣服,适当的光打在圣母与圣子的裸露的皮肤上,光洁和祥和。

      这些画都有一个共同的特点,那就是年轻的母亲总是被描绘得典雅,梦幻般的脸散发着慈爱的光辉,让我们看到时除了想到是圣母,跟让我们感觉她就好象是我们身边美丽善良温柔的母亲。这位母亲有着柔和的轮廓,大大的眼睛,挺拔的鼻子,小巧的嘴,不乐而笑的轻柔舒心,眼睛里好象什么都没有,但是我们可以看到她的心,她的思想在动,她的眼睛里有孩子的未来……

      由此我们可以看出,拉斐尔的圣母像以充满爱意的笔触描绘了人物和环境,用以表现故事或事件,人物的刻画注重情感、表情以及姿态与服装的特点;环境则注重透视,随时间和季节的不同而采用不同的光线和色彩,因而可以看出画中的形体和厚度、明暗对比和细微的色彩差异;给人物和景致注入生命和生活气息,特别是任务,显得有血有肉,栩栩如生。他的圣母歌颂了母性光辉和女性之美,是凡间的母亲化身的圣母,更多的是人性而非神性,是理想化了的圣母,是文艺复兴时期人文主义理想的体现。

      他的这些细致入微的表现与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似,这是因为他一直是个古典主义的研究者,而且他把圣母的脸画得更加温柔,神态更加精致柔和,赋予了古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义,给古代美以新的艺术生命,让古代艺术得到再生并发展成为一种新的完美的艺术形式,从而在美学史是有了独特的历史地位,有了对前人的超越和对后人的激励,代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
在基督艺术中圣母圣子画像是最重要的题材之一,它是适应教堂公共礼拜活动、私人日常祈祷需要而产生的。基督徒们在家里在教堂看到这样的画像,心里会充满和平和喜悦,因为他们深信,无论他们犯了什么错,只要诚心悔改,仁慈的圣母就会恳求救世主给予宽恕。

      随着西方艺术的发展,圣母圣子画像也产生了各种变体。在文艺复兴时期,宗教艺术得到新的发展,出现了很多伟大的绘画大师,在他们的笔下出现了许多经典的圣家族形象,其中最负盛名的号称“文艺复兴三杰”的拉斐尔、达•芬奇、米开朗琪罗都以近乎完美的圣母像而闻名于世。


      拉斐尔的成就绝不仅局限于圣母像的创作,但是他的圣母像却成了后世的典范,原因如下:

      他性情平和可亲,深得教会上层人士尤其是教皇本人的信任和喜爱,在短暂的一生中为罗马各大教堂、教皇宫邸、教会首脑们绘制了大量的画作,其中有圣母圣子画像。

      他笔下的圣母恬静、平和、富于古典美,堪称女性美的典范。

      打破了文艺复兴以前几个世纪的大量的宗教画像中的两边典型对称的秩序,这种从未被怀疑过的创作象征着所有事物都按照等级排列,自然要求人的主宰,人要求造物主的主宰。而物是要求适用于人的,人对造物主的信仰是神圣而不可侵犯的,无论什么时候都有它不能动摇的等级。而到了文艺复兴时期,这种不成文的规定得到了切实的打破,圣画的布局已经不再是严格意义上的绝对对称。

     透视效果明显,这是文艺复兴之后欧洲视觉史上的一大进步,是飞跃性的发展。

     从人物出现所占的空间来看,做为中心人物的圣母空前拉大,一目了然就是画的重心。


     现在我们从他最负盛名的《西斯汀圣母》和《拿金莺的圣母》两幅图来看具体的表现。

    《西斯汀圣母》原是为教堂所画,撷取但丁的十四行诗所描述而产生的灵感,“她走着……身上散发的温柔之光,仿佛天上精灵,化身出现于尘世。”这幅画的创作年代是1512——1513,是木板油彩画,长265厘米,宽196厘米,现藏于德雷斯顿美术管。在画的中心部位是温柔慈善而又优美的圣母,脸上泛着红晕,眼里含着慈悲,步履轻盈,体态优雅,挂在头上微扬的披风,掀动的衣裙,轻起的裸足,在橘色的天幕中出现,仿佛就要从白色的云端向我们走来,长老和天使都看呆了,唯有一个女神被天使的质朴直视而甜美的笑,显然这位女神也是为了圣母而动容。由于加入了光的透视效果,我们可以清晰的看清楚云朵,暗金色在墨绿色和橘色的衬托下更加高贵优雅,整个画面和谐、圆融、愉快、优美、温和。圣母是一个平民性的母亲,善良而和蔼可亲,温柔贤淑,充满母爱和人情喂,不是高高在上可望而不可及的,而是仿佛再虔诚一点,那令人敬爱的圣母就会走出来和我们说话微笑一样!画面安排得极为均衡、和谐,散发着端庄、祥和、纯净的优雅美,这是他大部分画作的共通点。
     《拿金莺的圣母》是1507年的作品,也是木板油彩画,107厘米×77厘米,藏于佛罗伦萨的乌菲兹美术管。这幅画体现了许多爱的小细节。小约翰和小耶稣抚弄停在圣母膝上的金莺——由于是依在圣母怀里,抚摸的动作很自然贴切,圣母慈爱的关注着,带着极细微的笑,眼睛不看书而是看着孩子手的动作,右手拿书,左手轻抚着动作较大的那个孩子,右边的孩子踩在圣母脚上,两个孩子都在母亲的臂膀之内且都靠着膝,这些无不传达出母亲呵护幼儿的光辉,亲密的身体接触让人心动,这个动作表现了人情和天伦叙乐,使很可能流于呆板和千篇一律的圣母像顿时变得亲切动人。画面的背景是山村田园,依然是墨绿暗金,圣母外着墨绿衣裳,内穿暗红衣服,适当的光打在圣母与圣子的裸露的皮肤上,光洁和祥和。

      这些画都有一个共同的特点,那就是年轻的母亲总是被描绘得典雅,梦幻般的脸散发着慈爱的光辉,让我们看到时除了想到是圣母,跟让我们感觉她就好象是我们身边美丽善良温柔的母亲。这位母亲有着柔和的轮廓,大大的眼睛,挺拔的鼻子,小巧的嘴,不乐而笑的轻柔舒心,眼睛里好象什么都没有,但是我们可以看到她的心,她的思想在动,她的眼睛里有孩子的未来……

      由此我们可以看出,拉斐尔的圣母像以充满爱意的笔触描绘了人物和环境,用以表现故事或事件,人物的刻画注重情感、表情以及姿态与服装的特点;环境则注重透视,随时间和季节的不同而采用不同的光线和色彩,因而可以看出画中的形体和厚度、明暗对比和细微的色彩差异;给人物和景致注入生命和生活气息,特别是任务,显得有血有肉,栩栩如生。他的圣母歌颂了母性光辉和女性之美,是凡间的母亲化身的圣母,更多的是人性而非神性,是理想化了的圣母,是文艺复兴时期人文主义理想的体现。

      他的这些细致入微的表现与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似,这是因为他一直是个古典主义的研究者,而且他把圣母的脸画得更加温柔,神态更加精致柔和,赋予了古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义,给古代美以新的艺术生命,让古代艺术得到再生并发展成为一种新的完美的艺术形式,从而在美学史是有了独特的历史地位,有了对前人的超越和对后人的激励,代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。


 
为你快乐 @ 2006-12-07 13:06

基督教美术

  
  拜占庭教会、加洛林王朝和奥托王朝的教会,将宫 廷的装饰艺术纳入宗教美术。罗马式的非现实主义倾向 样式、哥特式的自然主义倾向样式,使美术宗教化。进 入文艺复兴和近代后,宗教性意识逐步淡化,转而追求以 希腊美术、罗马美术为典范的形象美。巴洛克美术试图 在美术中恢复宗教色彩,但也碰上是否表现圣物这一问 题。近代社会中,美术家脱离宗教而追求美术本身,但 20世纪再次出现美术家涉猎基督教美术的现象如G.-H. 鲁奥。在东方社会,具有三维实体的圆雕圣像直至圣像 破坏运动后仍不被容忍,圣像仅在绘画(壁画、礼拜性 肖像、写本画等)上被承认(见中世纪美术)。基督教 美术在其发展上可分为早期、盛期(即中世纪)、后期 (文艺复兴以后)3个阶段。
  早期基督教图像和教堂 基督教从其母体──犹太 教中接受坚持一神教和禁止偶像崇拜的戒律,在其早期, 重视精神甚于感性,重视语言表达甚于视觉直观,在教 会成立的当初,反对利用一切宗教图像。但是,从公元 200年前后起,信徒间出现了秘密的宗教图像,渐渐发 展为公开的美术活动。这一过渡阶段是早期基督教时代, 以君士坦丁大帝公开承认基督教(313)为界,可分为前 期──秘密的基督教美术时期,后期──从313年至基 督教被定为罗马帝国国教(392)。前期虽然仅在小规模 的被限定的范围内展开,但是最早的基督教美术,诞生 于反对教会指导者否定图像的政策和罗马政府迫害信徒 的风潮中,意义格外巨大。在幼发拉底河上游的杜拉欧 罗普斯城址发现的一信徒宅第,是现存地面上最早的基 督教徒的建筑物,它的洗礼室中有壁画,以壁画象征表现 信徒最重要的典礼之一──洗礼的意义。图像更广泛地 发展,是罗马近郊大量存在的信徒地下墓窟的壁画和石 棺浮雕,显示出从3世纪初到正式承认的基督教图像的 连续发展。图像大半从圣经的旧、新约中寻求题材,但 不是史传内容的叙述,而是将圣经中传奇故事作为对死 者灵魂的拯救和复活的示范来象征性描绘。表现救世主 基督时,避免直接表现,基督成为比喻性的“善良的牧 羊人”形象,时而从异教神话中借用故事来作为带来基 督教意义的复活人物,用以代表基督的形象。地下墓窟 的壁画以罗马末期的绘画样式、装饰样式为基调,但出 现平面的、象征性的中世纪美术倾向的萌芽。
  基督教被正式承认后,教会开始了积极的活动,在 历代皇帝的支持下,逐渐在地上营造教堂。虽然教会一 致决定使用宗教图像是相当晚的事,但事实上,图像已 经描绘在教堂内的镶嵌画、湿壁画上。
  在这些公共场所放置基督教固有的图像本身,承认 了美术固有的教育作用,奠定了基督教与异教美术不同 的独自审美概念的基础。从其以后的发展来看,以基督 教为基础的美,不是在希腊文明中成立的感性和谐的美, 而是表现不能在人的日常感觉中获得的超自然的灵魂存 在及其价值的象征美。为了体现这种美,同时发挥教会 必需的机能,制作了各种各样的基督教美术作品。为了 将神灵存在、教义内容在教会内作为普遍的视觉语言来 正确传达,图像必须有一定的形式,必须有主题、场面、 人物、象征等意味,必须有选择、适用等图像上的规定。基督教图像在发展过程中受教会的指导而系统化,在作 为有效传达手段而完备的同时,更加强了作为神圣图像 的性格。这种倾向在早期基督教时代就已经出现,到中 世纪美术时更为彻底。
  在基督教美术中,与图像同样占有重要地位的是建 筑,构成其中心的又是为了礼拜而容纳信徒的教堂。在 基督教徒的信仰生活中最重要的礼拜,是圣日相聚,参 加典礼,赞美神,听神职者说教。因此,不可没有具备 必要设施的教堂,在正式承认教会后,产生了一定的教堂 形式,最普遍的形式是巴西利卡式,它虽然随时代的推移, 应各种要求的变化,而出现局部变化,但是其祭室、信徒 席、入口和坐落在长轴上的长方形基本平面,延续至今。与这种形式比肩而成立于早期的集中式教堂,是建立在 圣灵坟墓和遗迹上的纪念堂,具有圆形、正方形、多角 形、十字形等平面,可能是考虑到巡礼者方便而设计的。它在通常的礼拜中稍有偏向,在东方教会中以变型而普 及,在西方仅存于私人礼拜堂中(见早期基督教美术)。


  在基督教美术上,应重视各种作品是因何目的而制 作的这一机能价值。图像中,以目的和机能分类,可区 别为礼拜图像、教育图像、装饰图像,都具备可以发挥 各种机能的形式。
  以教育和教化为目的而制作的图像,在6世纪被教 皇认为是“文盲的《圣经》”,予以积极支持。在此以 前已经以画传形式大量表现以基督为首的诸圣人的典范 生涯,并且作为教会的传道活动及信徒教育的有力手段 而受重视。不仅是传记画,而且教义和典礼的意义、神 学的各种观点也可用图画来表现,以说教图、寓意图表 示伦理生活规范,无论在主题上,还是在表现方法上都 具有显著的多样性。实际上,因为图像对未信教者、异 教徒的教化活动和对文盲信徒的教育极有效果,所以在 图像论争时,拥护图像者便以此为论据。在拜占庭时代, 除镶嵌画外,还以壁画、挂毡、浮雕、抄本插图为媒介, 为这一目的制作了大量作品。在装饰图像上,将教堂内 外作为适于礼拜和祭仪的神圣空间而装饰,又将典礼具、 祭服、圣经、祈祷书等与同类的世俗用品相区别,明确 神圣用途,所以大都用象征、符号、纹样乃至圣像来装 饰。此外,圣职者的祭服、装身具等,也是作为表明教 会组织内地位的手段的装饰。附属于建筑的图像,由于 兼备教育目的和装饰目的,难以明确区别。装饰图像与 纹样、象征一起,在拜占庭美术中取得出色发展,给予 中世纪初期的西欧美术以巨大影响。(见拜占庭美术)。
  中世纪早期修道院美术 罗马帝国分裂为东西两半 后,因日尔曼诸蛮族的入侵,西罗马帝国灭亡。但是以 教皇为中心的罗马教会勉强继承拉丁文化,致力于对日 尔曼人和克尔特人的教化,在整个西欧实现天主教会的 统治。在其背后,修道院进行实质的、积极的活动,另 外,罗马教会与法兰克王国统治者结盟大大有助于这种 活动。这时,早期基督教的传统衰退,新教化的日尔曼 诸蛮族除了饰有抽象纹样的装身具外,不具备美术传统。因而8世纪时,修道院中制作仅在传统纹样上组合朴素 图像的典礼具和抄本装饰。另外在建筑上,由于日尔曼 人缺乏石构建筑传统,只不过建设了少许简单而小型的 石构教堂而已(见爱尔兰-撒克逊和维金美术)。

鹰形胸饰

< 尊重图像带来的各种效果,不完全否定圣像。这一见解 解,即:不承认圣画像的奇迹力量,也反对过度崇敬;但 是否圣像崇拜的论争,天主教会采取两派主张的中间见 人物为中心的图像。对于当时在东方教会中兴起的围绕 底本为基础,以往以抽象纹样为中心的插图变为以具象 道院的抄本所中制作的。它以从拜占庭文化圈来的各种 仍是修道院,这一时代出现显著发展的抄本插图是在修 而逐步形成西欧中世纪独特的美术。成为实质推动力的 时,从复兴早期基督教美术和导入拜占庭美术样式,进 克国王查理曼统一了欧洲,致力于拉丁文化的复兴。这>



 
为你快乐 @ 2006-12-07 13:00

  为了纪念希腊战胜波斯侵略(就是马拉松来历的那场战争),希腊执政王决定在雅典卫城的中心建筑一座雄伟建筑--帕特农神庙。
 
       当时雅典刚战胜波斯,声名大振,成立了提洛同盟,将取自各国的黄金存放在提洛岛上,作为共同基金。当年主政的※伯利克利斯※却挪用这笔公款,为雅典建造了这座神庙。倾全希腊顶尖的专家,建筑家、画家、雕塑家、木匠和石匠,乃至政治家、数学家和哲学家。经过许多激烈的讨论和争辩,神庙的设计在极挑剃的情形下定案,线条和比例都十分洗练,不容有一点瑕疵。
  
  被恩格斯称之为“如灿烂阳光照耀的白昼”的帕特农神庙是雅典城文化建筑群中的主体建筑,由当时著名的建筑师※伊克提诺斯※和※卡利克拉特※设计,杰出的雕塑家※菲狄亚斯※主持建造和负责全部雕塑创作。从公元前447年开始建造,到公元前432年竣工,历时15年之久。
  
  帕特农神庙意即处女庙,是供奉雅典城的保护神雅典娜女神的处所。它采用希腊古典时代流行的※多利亚柱廊风格※修建而成。
整个建筑为长方形。总面积达2170平方米。50根大立柱环绕神庙围成柱廊。
这些主柱都用名贵的※铁纹白色大理石※凿制而成,柱身布满一条条从上到下剜出的凹槽,在光线明暗的变化之中,表现出强烈的立体感和垂直结构。由立柱围成的柱廊,朴实厚重,体现出一种力的强健。
神庙的石墙更为奇妙,它由切割的大理石块拼镶而成,没用任何灰泥,密合却天衣无缝,可见切割与磨制大理石的技术之高超。
神庙外部,自然和谐,大气磅薄,给人以“辉煌中的恬静、安详”之感。
更加令人称奇的是从整个神庙设计构图来看,其围绕着雅典娜像的还有三个重点设计,而这三个点所构成的是一个等边三角形,雅典娜就位于中心。
一般而言,如果柱体是圆柱结构,是会产生视觉偏差的。而神庙所有的巨大石柱都是向内倾斜,非互相平行。如果它们都平行,会让人产生它们都向外弯的错觉;所以设计师以一定的高度作为交会点,每根石柱都向内微倾,使得神庙看来更为稳重而巩固。古代的建筑师又研究出来,大型建筑的地基如果完全水平,也会使人产生扭曲的感觉,因此神庙的地基是中间最高,沿着和缓的曲线向四周低伸。即:以设计上的瑕疵追求视觉上的完美。
 
     令人惊叹的菲狄亚斯们。
 
   “当微风吹过纤细的廊柱,就仿佛欢快的手指正弹奏一架竖琴”,希腊的列柱建筑一直是建筑师及设计师的灵感泉源。
 

  
  而最为辉煌的是神庙之中的雅典娜女神像和大量装饰神庙的绚丽多彩的雕塑。
  
  雅典娜女神像是菲狄亚斯塑造的三尊著名的雅典娜像之一,作为智慧与贞洁的象征供人敬奉崇拜。她高12米,以木为胎,以黄金和象牙塑造,生动地表现出肌肤的质感。她左手执盾牌,右手托胜利女神小像,头戴豪华的高冠,面部神情冷峻而又优雅自然。这座由古希腊最伟大的雕刻家菲迪亚斯心精制作的艺术珍品,在公元146年被东罗马帝国掳走,在海上失落了。现在人们只能根据古罗马时代的小型仿制品约略想象她的英姿。公元393年神庙被改作基督教堂。在土耳其统治时期,它又成了伊斯兰的寺院。
 
       公元1687年威尼斯军队炮轰城堡,引爆了土耳其人堆放在神庙里的炸药,把庙顶和殿墙全部炸塌。19世纪初,英国驻君士坦丁堡的大使埃尔金,雇用工匠,把表现雅典娜勋业的巨型大理石浮雕群像劫走。
 
  作为神庙装饰雕塑的多是浮雕作品,这些内容丰富,场面、姿态各异的雕塑,无论构图与技法都精巧纯熟,体现了希腊繁荣时代的精神风貌和古典现实主义的最高水平。这一方面菲迪亚斯做的几近完美。
 
 
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雅典卫城
 
       雅典卫城雄踞于市中心一座高一百五十多米的四面陡峭的山丘上,19世纪的考古学家们在这里发现了许多古代的遗址,这些遗址证明此处于公元前2800年便有人居住,一千年后的雅典王也是在这里建起了他的王宫,宫殿被一道牢固的围墙完全圈在里面,利用雅典卫城的陡峭山岗进行有效的防卫。
 
       公元前8世纪至公元前6世纪,雅典作为希腊第一个城市国家出现,这里成了雅典奴隶主民主政治时期的宗教中心。
 
       公元前480年至479年,政治家和军事家※伯里克利※成为雅典国家的实际统治者,他委任当时希腊最有名的雕塑家费迪亚斯重新建筑雅典卫城的神庙,鉴于雅典国家的政治机构早已被迁移到城市的低部,这里完全成为了雅典人膜拜崇尚诸神,尤其是雅典城的守护女神雅典娜的宗教圣地。
 
       卫城东西长280米,南北最宽处130米,地势险峻,仅在西面有一上下出入的通道,战争中又是坚固的要塞。  

  古堡由著名的帕特农神庙、埃雷赫修神庙、雅典娜胜利神庙和卫城山门等古建筑组成,这些建筑,几乎全部用洁白的大理石建成。因考虑到从山下四周仰望卫城的良好景观,这些建筑物基本沿周边布置。

  又因考虑到在卫城内的观赏效果,它们相互之间既不平行也不对称,而是利用地形把最好的角度朝向人们。使行列中的每一个人无论在山上山下,或无论在前在后都能够观赏到不断变化的绚丽的建筑景象,而这个景象系统又构成了一幅完整的有主有次的画面。  

  此外,城堡正面还保存着古剧场、集市中心和竟技场的遗址。城堡东南角建有规模宏大的博物馆,收藏着大量的石雕和其他古代艺术品。

 

卫城再现  

  两千多年来,风雨冲刷,空气腐蚀,再加上无情的炮火与掠夺,雅典卫城的艺术建筑已成一片废墟。但是后人没有放弃对卫城的挖掘和修复工作。19世纪初,雅典卫城的发掘史出现了有意义的转折。

  1801年,英国驻君士坦丁堡大使埃尔金来到雅典卫城,收购了帕特侬神庙附近的两座民宅。出乎意料的是,工作人员在拆毁这两座民宅时,在其中一座里发现了无数的破风雕像。原来,当地家民在盖房时,将它们用作石料了。这还算是幸运的。实际上,无数的石雕早已被人们投入到石灰窑中毁掉了。这种现象遍及希腊各地。

  聪明的埃尔金施展手段,从土耳其政府那里得到复制石膏模型和实地探测与发掘的许可证。然而埃尔金雇佣三四百名工人,在神庙周围的地下发掘,从周围的民宅中搜罗与收购,终得破风雕刻12件,腰线浮雕15块,浮雕56块。后来,埃尔金用金钱贿赂土耳其警方,将这些无价之宝以货物形式运回英国。  

  埃尔金的行为引起了世人的关注,对其评价毁誉不一。但埃尔金在抢救这些艺术品时,竟将有用部分从整体中挖出,从而毁坏了其原貌,这是不能容忍的。难怪有人讥讽说:“哥特人之所不为者,而苏格兰人为之。”

  一些西方学者步埃尔金之后尘来到雅典,对卫城建筑进行测量。但是,20年代的希腊独立战争又使考古工作中断。在战争期间,卫城多次成为战场,残留下的古物再再遭劫难。自30年代起,发掘工作再度展开。

  法、英、德等国的考古学家相继来到这里,他们把埋没的一座座神庙、宏大的狄奥尼索斯剧场、广场、居住区、仓库、市场、西北部的墓地等等从地下发掘出来,并对之进行了复原。此项浩大的工程持续了一个多世纪。直到第二次世界大战之后,卫城的修复工作仍在继续,古雅典市场则得到重点修复。



 
为你快乐 @ 2006-10-08 14:31

今天本来应该是放假的日子但是我们却不得不在学校里在紧张的学习中度过!真是痛苦啊!!!!!不过在十一七天长假中我玩的挺开心的。而且... ...他最近不知道犯什么病了,总想让我对他说什么甜言蜜语,虽然是发短信时说的但是也弄的我很不好意思啊!!!!1
今天又把ZZL给弄哭了。我也不知道是不是我的事,但是弄的我很难受很伤心啊!!!!
发的誓也没有成真真是失败啊!!!!!为什么呢???????
为什么????????????
为什么????难道我真的那么有魅力?可以迷倒那么多的人让那么多的人都那么注意我的感受在乎我的话???/其实我这个人没什么只是她还不了解而已。我说话就是那样说话很直不经过大脑。其实没什么的!!!!1
在一起的时间长了就了解我了!!!!!1
希望能早点了解啊那就能少很多误会了!!!!!我就知足了!!!!!


 
为你快乐 @ 2006-10-04 12:50

开学已经一个多月了,但是还没有适应高中的生活还存在于初中的醉生梦死的阶段.整天都会想她为她买的JAY<依然范特西>的预售版想把海报给她的可是她却没有要.真的挺难受的啊.不知道为什么不要?她说要了才是对不起自己对不起我,但是我真的是不明白为什么会这么想这么说呢?学习很紧张而我却没有一点状态整天满脑子都是她她她除此之外没有别的了.
有时候会总想到以前的一点一滴.想起我们天天一下课就往厕所或者是小卖部跑不想在教室待着因为教室这地方不适合我这种不爱学习的人你为了陪我也会和我一起去的,而现在却再也没有这样的人陪我了,我也不再喜欢去了.
军训真的是很折磨人的都把我给晒成什么样子了啊?简直都没法见人了,军训时也发生了一些不愉快的事情我不想再提了我想提的是ZZL我不会再把你弄哭的短短的一个月我就把你弄哭了3次我发誓绝对不会再有下一次了,因为我不想我们的结局和我和姐的结局一样.我一定会好好珍惜的我不会再让自己后悔了.
高中真的是累啊以后就2星期才回一次家了.新课改啊新课改.人人都很努力学习可是为什么我就是总睡觉呢?姐她还和我说让我好好学习别再荒废了,可是我为什么就是做不到呢?为什么?????难道就是因为你没在我身边吗??????可是你在我身边的时候我也没有好好学习啊!!!!难道是我真的不适合学习吗?????可是我这么聪明!!!!!为什么就是想不通呢?????不管这么多了.从十一以后好好学习了,不然承诺又不能实现了!!!!